La ópera Die Soldaten, de Bernd Alois Zimmermann está basada en el drama homónimo de Jakob Michael Reinhold Lenz (1776). Influenciado por el racionalismo pedagógico de la Ilustración, Lenz concebía el teatro como una herramienta para corregir los vicios sociales, de ahí que cierre su drama con una solución tan pragmática como polémica: la creación de una institución estatal de mujeres voluntarias (amazona» o prostitutas protegidas por el Estado) destinadas a satisfacer los impulsos de los soldados para salvaguardar así el honor de las familias burguesas. Dos siglos después y marcado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial, Zimmermann suprime cualquier atisbo de reforma o esperanza: la violencia y la opresión social conforman un ciclo eterno e irresoluble que conduce de manera inexorable hacia la aniquilación total. Al acelerar el ritmo dramático y someter a los intérpretes a una implacable maquinaria musical basada en el serialismo, los personajes pierden su autonomía psicológica. Dejan de percibirse como individuos que toman decisiones morales erróneas para revelarse como meros engranajes atrapados en un sistema destructivo. Zimmermann inserta fragmentos de repertorio preexistente que operan como comentarios dramáticos cargados de simbolismo. El coral de Bach (Ich bin's, ich sollte büßen), de la Pasión según San Mateo simboliza la culpa colectiva. El jazz y la música ligera representan la frivolidad, el hedonismo cínico de la aristocracia militar y la alienación moderna, estableciendo un choque violento con el rigor de la orquesta sinfónica. El Dies Irae y el canto gregoriano presagian la muerte y destrucción, vinculando la tragedia íntima de Marie con el destino apocalíptico de toda la especie. Las marchas militares adquieren un carácter progresivamente más mecanizado y agresivo hasta culminar en el Acto IV como emblema de una maquinaria deshumanizadora. Por último, los valses evocan una falsa nostalgia burguesa que acaba desintegrándose bajo la presión de la violencia social. En el Acto II, el escenario se divide en tres focos de acción que transcurren a la vez. En el centro, los oficiales aristócratas se divierten y se mofan en el café de Madame Roux mientras cantan con giros grotescos acompañados por el jazz y la percusión metálica. A un lado, en su hogar burgués, Marie lee emocionada una carta de amor de Desportes mientras su abuela entona una canción popular profética sobre la pérdida de la inocencia. En el otro extremo, en otra ciudad, Stolzius, el prometido humillado y su madre leen la carta de ruptura de Marie mientras planean su venganza. Marie y su abuela sostienen líneas líricas y folclóricas acompañadas por cuerdas y arpa; Stolzius declama con rigidez dramática sobre registros graves y sombríos. Al obligar al espectador a presenciar simultáneamente la burla cínica de los oficiales, la ilusión de Marie y el odio creciente de Stolzius, Zimmermann rompe la narración lineal. La escena evidencia que todos los personajes y el desenlace dramático forman una misma red.
En un camino desolado junto al río Lys, Marie, convertida en mendiga y desfigurada por la miseria, pide limosna a un transeúnte sin saber que se trata de su propio padre, Wesener. Él tampoco logra reconocerla, le entrega una moneda por mera compasión y sigue su camino, sellando así la ruptura definitiva de los lazos familiares y humanos. Mientras padre e hija se separan, el escenario es invadido por columnas incesantes de soldados que marchan al unísono. Esta imagen, reforzada por proyecciones cinematográficas de ejércitos y devastación, eleva la caída de una familia a la categoría de alegoría universal sobre la guerra perpetua. La orquesta tradicional queda sepultada bajo el peso de una monumental sección de percusión y cintas magnetofónicas. El estruendo rítmico de las botas marchando se fusiona con sonidos de bombardeos, sirenas, explosiones y frecuencias electrónicas ensordecedoras. Este paroxismo sonoro alcanza un umbral insoportable y se corta en seco, rechazando cualquier acorde conclusivo para cerrarse con una única nota aguda emitida por un generador electrónico o sostenida en pianissimo extremo, según la producción. Esta frecuencia única evoca el silencio desolado de un mundo arrasado tras una catástrofe bélica o nuclear, donde ya no queda nadie para cantar ni para escuchar. Al prolongar la vibración solitaria en la oscuridad total durante varios segundos, el compositor confronta directamente al público en silencio con su propia responsabilidad histórica y moral frente a la violencia que acaba de presenciar. La tragedia sigue resonando de manera eterna en la conciencia de quien lo ha presenciado y el drama original de Jakob Michael Reinhold Lenz no es un hecho lejano.
Preludio del Acto 1
Intermezzo Acto 2
Acto II, Escena 11y 2
Acto III, Escena 4 (terceto femenino)
Acto IV, Escena 2 y 3
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